Tiempos Modernos

EXCURSIÓN AL MUSEO DEL ROMANTICISMO

                                                         En la paza del 2 de mayo

Francisco Giner de los Ríos

Nació en Málaga (España) 10 de octubre de 1839 muere en Madrid,  (España) 17 de febrero de 1915), filósofo, pedagogo y ensayista español. Discípulo de Julián Sanz del Río y fundador y director de la Institución Libre de Enseñanza.
                                                 
                                                                MÉTODOS DE ENSEÑANZA
Comparan la pedagogía de Giner a la de una escuela socrática, en la que el profesor influye en sus alumnos no por su autoridad, sino por su conocimiento, su sabiduría. La relación entre los alumnos y el profesor era íntima, cercana, familiar, para así poder influir mejor en su conciencia. Era una escuela eminentemente práctica, en la que cada alumno tenía un cuaderno (y no un libro académico) con el que trabajaba. Los exámenes memorísticos no existían. Las excursiones eran frecuentes, a museos de todo tipo, a fábricas, al campo, etc. Estas excursiones llegaban a durar varios días incluso, y muchos antiguos alumnos las recordaban con gratitud. Una de las más recordadas era una que llevó a los alumnos andando desde Madrid a Lisboa.

LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XIX (I)

                                                     El romanticismo en Europa 
Es un movimiento que podemos relacionar con las revoluciones liberales y nacionalistas de 1820,1830 y 1848. 
Sus características son:

1.Los pintores son impulsivos, exaltan la libertad y el progreso humano.


2.Vuelven la vista hacia la Edad Media para buscar los orígenes de sus naciones. El folklore nacional (trajes típicos regionales, costumbres) también es su fuente de inspiración.


3.Les atraen los mundos exóticos, como el mundo árabe, países europeos lejanos.


4.Pintan acontecimientos históricos o sucedidos en época (acontecimientos revolucionarios, preferentemente).


5.Sus pinturas reflejan sentimientos fuertes, amor, pasión, lucha, desesperación.


6.En sus cuadros hay mucho movimiento, desorden, tensión.


7.Son pintores fundamentalmente coloristas, colores brillantes, potentes.


DELACROIX, pintor francés que destaca por su LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, trata sobre la revolución de 1830 en París, cuando se acabó definitivamente con el absolutismo. Otro cuadro es LA MATANZA DE QUÍOS (1824) acontecimiento relativo a la lucha por la independencia  del pueblo griego.   


                                                       
Los cuadros siguientes son:


                                                          La libertad guiando al pueblo
                                            
Este cuadro tiene las siguientes características: el pintor quería resaltar la libertad y lo ha conseguido, esta claro que este cuadro es un acontecimiento histórico, reflejan sentimientos fuertes como lucha y desesperación, hay mucho movimiento como tensión y desorden.


                                                            La matanza de Quíos
                                                        
Las características de este cuadro son las siguientes: refleja sentimientos como desesperación, tiene mucho movimiento de desorden y en algunas zonas de tensión (el caballo con los hombres) existe muy poco color llamativo o simplemente no se ve, se destaca más colores apagados como el marrón,naranja...


                                                              Mujeres de Argel
                           
Este cuadro representa la característica del mundo exótico, este tipo de cuadro es reconocido por su contenido sexual y orientalismo. Lo que hace que esta pintura  destaque su exotismo son los tontos bronceados. 


GÉRICAULT, pintor francés, autor de LA BALSA DE LA MEDUSA. Prototipo de artista romántico, tuvo una vida corta y atormentada que dio lugar a varios mitos sobre él.
                                                           
   Sus siguientes cuadros son:
                                                     La balsa de la Medusa

                          
Este cuadro trata,sobre el  naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Por lo menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas excepto 15 murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas, y las que sobrevivieron soportaron un tipo de consecuencias tremendas (locura, hambre y canibalismo).
Representa al Romanticismo por su modo de pintura y sus contornos precisos y porque se pintó en la historia temprana del movimiento romanticista en la pintura francesa. Sus características son: está pintado por acontecimiento histórico en su época, refleja desesperación y lucha, representa desorden y tensión y tiene tonos cálidos que refleja la situación desesperante y destaca el color rojizo que son los pañuelos que llevan algunos hombres.


CASPAR DAVID FRIEDRICH,(Alemania).Fue el principal representante de la pintura romántica alemana, junto a Philipp Otto Runge, siendo la más destacada en el ámbito del paisajismo.
                                                     
 Sus cuadros siguientes:

                                                                Abadía en un bosque

                                           
Se trata de una vista imaginaria en la que se expresa una originalidad temática y práctica, más trascendental que realista.En este cuadro se ven encinas rodeando las ruinas de una abadía gótica. Friedrich se inspiró en la ruina de la iglesia de Eldena (Pomerania), acentuando su significado religioso mediante el añadido del crucifijo del portal y la ventana por encima de éste. Delante hay una sepultura y una comitiva de pequeñas figuras negras que se dirigen al portal de la ruina.

                                          El caminante sobre el mar de niebla

                                               

La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero está de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. 

                                              Acantilados blancos en Rügen

                                              

Es una de las obras más importantes del romanticismo pictórico y que lo personifica de manera duradera. Los tres personajes representados están vistos de espaldas, y miran a un paisaje romántico. La figura de espaldas, que está en pie como un monumento sobre un lugar elevado, atrae al espectador al interior de la pintura, aparece en una primera impresión como romántica, pacífica y muy serena.El cuadro y la acción se representan a través de colores agradables, mientras que la naturaleza se representa de manera bella.

TURNER, (Gran Bretaña).Pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo.

                                                   
 Sus siguientes cuadros:

                                         El temerario remolcado a dique seco

                                         

Es una obra extraña, fascinantemente romántica y repleta de significado. Bajo la superficie se encuentra una nostálgica reflexión sobre ese buque tan antiguo, de como los días de gloria ya han pasado y el que fuera uno de los mayores símbolos del poder de la Marina Real Británica, navega rumbo a su muerte: los astilleros de la flota, donde será desarmado. El ocaso del sol coincidiendo con el ocaso del navío... El cuadro también sugiere una reflexión sobre la suplantación de la vejez por la juventud así como el enfrentamiento de valores entre la modernidad de la máquina de vapor (rápida, técnica, eficaz... pero sin gloria) y la tradición ya pasada de la navegación a vela (grande, gloriosa, hermosa, noble), que representada en el cuadro por el Temerairese ve humillantemente halada por la máquina de vapor que la lleva a la muerte.

                                                    Ulises burlando a Polifemo

                                       

Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol ocupa toda la escena.

                                                    Aníbal cruzando los Alpes

                                                  

Es un cuadro de temática histórica, el cuadro está dominado por un cielo gris y negro cargado de nubes negras que vierten masas de nieve y un sol anaranjado. En el borde inferior hay escenas de pillaje entre las rocas y el ejército de Aníbal en un plano intermedio.En este cuadro hay un mensaje político en esta época de Guerras Napoleónicas: se trataba de evitar que Inglaterra corriera la suerte que Roma consiguió evitar. Pero el principal objetivo de Turner era transmitir las fuerzas naturales desatadas y que simbolizan el caos.

                                       OPINIÓN DE LOS CUADROS ROMÁNTICOS

En realidad a mi los cuadros que más me han gustado son los de CASPAR DAVID FRIEDRICH, aquí se encuentran los que más me han llamado la atención:

                                             Acantilados blancos en Rügen

                                             

Este cuadro me atrae mucho porque presenta una perspectiva isométrica impresionante a simple vista se ve, además el fondo los colores de tono me gusta, aunque también me llama la atención que todo esté de colores cálidos excepto la mujer de rosa que según mi parecer destaca en todo el cuadro por su color. También me parece tan real como si fuera una foto.

                                            El caminante sobre el mar de niebla

                                                                   

Esta obra me llama la atención,parece increíble por el motivo que el hombre esta de cerca en una roca hacia nosotros y el fondo esta nublado con salientes montañas, es como si el fondo estuviera ya pintado y colocaríamos la roca con el hombre encima como una pegatina.

El cuadro que no me ha gustado tanto por su imagen, por lo que se representa ahí es:

                                                            La matanza de Quíos

                                              

No me gusta mucho por lo que señala ahí de las personas medias desnudas, todo se ve muy apagado y triste, solo representa desesperación y ni tan siquiera un poquito de compasión.
         
                                           PINTORES ROMÁNTICOS EN ESPAÑA


Valeriano Domínguez Bécquer. Nació en Sevilla,15 de diciembre de 1833 fue un pintor español. Se inició en la pintura de mano de su padre, aunque también tuvo como maestro a Antonio Cabral Bejarano. Trabajó como dibujante e ilustrador de importantes publicaciones como "La Ilustración Española y Americana", "El Museo Universal" y "El Arte en España". Se le presupone autor de la obra Los borbones en pelota.Destacado retratista, realizó obras como "El pintor carlista y su familia" y su obra más conocida, el retrato de su hermano "Gustavo Adolfo Bécquer", obra que sirvió de modelo para realizar el busto del conjunto que homenajea al poeta en la Glorieta de Bécquer, dentro del Parque de María Luisa de Sevilla.
                                                  
Entre sus cuadros destacan los siguientes: 

                                             Ávila, la fuente de la ermita de Sonsoles
                                                
Representa un máximo detalle las vestimentas de un grupo de personas del abulense Valle de Amblés, vestidas con sus mejores galas en un día de fiesta, procesión o romería.
La composición de la obra junto a la fuente a la sombra de un árbol, el suave paisaje que se difumina hacia el horizonte, la contundencia de los personajes, las pesadas ropas de amplios pliegues, el protagonismo de los niños, los cántaros o las manzanas que aparecen en primer término recuerdan a algunos cuadros de Goya, Velázquez...
Sus características son las siguientes: representa el folklore nacional, tiene colores llamativos y brillantes.


Leonardo Alenza. Nació en Madrid el viernes 6 de noviembre de 1807. En 1819 va a estudiar dibujo en el estudio de la Merced de la Academia de San Fernando, que estaba en el convento de la Merced y fue ascendiendo con rapidez, pasando a los dieciséis años a las clases de la Academia en la calle de Alcalá. Sus profesores fueron  el pintor Castor González Velázquez, el grabador Vicente Peleguer, el escultor Francisco Elías, el pintor José Maea, el escultor Esteban de Agreda, el escultor Pedro Hermoso, el pintor Zacarías González Velázquez y, por último, y durante seis años, el también pintor José de Madrazo. Murioó de tuberculosis el 30 de junio de 1845.
                                                            
Uno de sus cuadros:
                                                  Los románticos, o suicida 
                                       

Representa a un hombre que sera el protagonista es el típico literato bohemio, con larga cabellera alborotada y ropaje suelto, como un bohemio romántico.Es el centro de la escena, clavándose un puñal en el corazón. Entre los objetos hay una cruz con laurel, un frasco con pluma y diversos libros apilados son los objetos simbólicos que representan el romanticismo. En el fondo hay una escena de muerte, con un personaje ahorcado y otro con un tiro en la cabeza, muertos ambos. El modo de representar las diferentes muertes del romanticismo. Sus siguientes características: es un cuadro con mucho desorden y tensión, representa desesperación que conlleva a la muerte.

Federico Madrazo (Roma, 12 de febrero de 1815 – Madrid, 11 de junio de 1894)estudió en la escuela de Alberto Lista, en Madrid, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En Madrid, fue pintor de cámara de la reina Isabel II, del mismo modo que su padre había sido pintor de la Corte con Fernando VII. Fue nombrado director del Museo del Prado, pero perdió el cargo con la Gloriosa, revolución liberal de 1868. Fue repuesto en este cargo en 1881. Fue director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Pintó retratos, sobre todo del mundo aristocrático y de la cultura y algunos cuadros de historia.

                                                   

Entre sus cuadros destacamos los siguientes:

                                
                                            La condesa de Vilches (1853)

                                     

Amalia Llano Dotres, Condesa de Vilches por su matrimonio con el aristócrata Gonzalo José de Vilches, fue una mujer bellísima, inteligente y que ejerció a la vez de escritora por afición, de mantenedora de animadas tertulias y de organizadora de representaciones teatrales en su propia casa. Encargó a este la realización de este retrato en 1853 en el que el pintor consiguió uno de los retratos más bellos de la pintura española de este siglo. Este cuadro se puede contemplar en el Museo Nacional del Prado, Madrid.
                                               
                                            Retrato de Isabel II (1844)
                                         
Óleo sobre lienzo, firmado y fechado en 1844. Corresponde al inicio del reinado personal de Isabel II, tras ser declarada mayor de edad con apenas 13 años. El cuadro fue pintado por encargo de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Pincelada ha sido definida como "prieta y brillante".
                                         
                                            Retrato de Isabel II (1849)
                 
Se trata de un óleo sobre lienzo con un marco dorado de madera tallada y rematado con la corona real, que reafirma el carácter oficial de la obra. En esta versión, la reina aparece de pie, vestida con un traje de raso azul con encajes, diadema de perlas y brillantes, tocada con un velo y apoyando la mano en una mesa donde se disponen simbólicamente la corona y el cetro. 
                                         
                                              Imagen real de la reina Isabel II
                                         

                   
                        Retrato del rey consorte Francisco de Asís 1849
                                                 
Según criterios políticos y dinásticos, Francisco de Asís fue obligado a contraer matrimonio con su prima hermana la joven reina Isabel II. Eran primos carnales porque sus padres, el infante Francisco de Paula de Borbón y el rey Fernando VII, eran hermanos. La elección de Francisco de Asís como esposo de Isabel II se produjo tras desecharse otras candidaturas; el esposo de la reina debía ostentar rango aristocrático pero no opciones de heredar otro trono europeo. También la reina se oponía a tal enlace, pues a pesar de su juventud ya era consciente de la homosexualidad de su primo, el rey consorte era padre de varios hijos ilegítimos y tenía varias amantes conocidas. 

José Castelaro  (Madrid, 1800-1873). Pintor español que cultivó temas de historia, costumbristas y religiosos. Fue profesor numerario de dibujo de la Escuela de Bellas Artes de Oviedo, así como académico de mérito, profesor, teniente director de estudios y tesorero de la Academia de San Fernando de Madrid. Comenzó su formación en el estudio de Vicente de López y en la escuela Superior de Pintura, Dibujo y Grabado dependiente de la Academia de San Fernando. Tomó parte en la comisión encargada de recoger las obras de arte de iglesias y conventos desamortizados de la provincia de Segovia.

 Uno de sus cuadros es:
                           
                                Isabel II jura la Constitución en el Senado (1884)
                                  
Mariano Fortuny (Reus, 11 de junio de 1838 – Roma, 21 de noviembre de 1874) fue un pintor español, considerado junto a Eduardo Rosales como uno de los pintores españoles más importantes del siglo XIX.  A pesar de su muerte a los 36 años, su estilo y su obra le definen como un auténtico genio que marcó indeleblemente a toda una generación de pintores europeos, y que pudo revolucionar la pintura española de haber seguido vivo, tal como se demuestra en el estilo de sus últimas obras como Desnudo en la playa de Portici o Los hijos del pintor en un salón japonés (ambas obras en el Museo del Prado).
                                                  
Los cuadros de este pintor son los siguientes:
                                                          
                                                              Fantasía árabe
                              
Cuando se trata de temática árabe, Fortuny está especialmente interesado en mostrar asuntos cotidianos donde la luz ocupe un papel preferente. La danza de varios soldados con el torso desnudo en el momento de disparar sus rifles contra el suelo protagoniza la composición, siendo contemplado el baile por un amplio grupo de personas ataviadas con sus ropajes característicos. La escena tiene lugar al aire libre, apreciándose al fondo unas construcciones, creándose espectaculares contrastes lumínicos con los que Fortuny obtiene el ritmo del episodio, resaltando al grupo principal a través del potente foco de luz, presentando todo lujo de detalles en las vestimentas o en las propias figuras al reflejar las diferentes expresiones aun tratándose de lienzos de pequeño formato. A pesar de la limitación cromática, los tonos pardos, blancos y rojos son los más utilizados, se consigue una amplia variedad tonal gracias a la luz, quizá la verdadera protagonista de la escena. Sus siguientes características: a este pintor le atrae los mundos exóticos, hay mucho movimiento.
                                                    
                                                          El vendedor de tapices
                                  

Esta acuarela, que por sus características parece una pintura al óleo, resultó ser una de sus obras maestras. Representa un tema de gran atractivo para los pintores orientalistas por su exotismo y color. Fortuny, que había tratado ya este asunto anteriormente, pintó esta nueva versión más ambiciosa utilizando las mismas figuras.La pintura refleja la iluminación del norte de África que causó una gran impresión en el artista. Los temas representados por el pintor son alusivos a la vida cotidiana, mostrando las calles o una tienda del mercado de Tánger exhibiendo su género. Sus siguientes características: perteneciente de un mundo exótico, representa colores brillantes.

                                                     El saludo del torero 

                                           

Las características de este cuadro serían  las siguientes: se podría decir que representa un folklore por la forma de vestir típica, también esta representando un acontecimiento, en este cuadro resalta el color rojo.

                                                             Suerte de varas  

                              

Como podemos ver en este cuadro muy relacionado con las pinturas de la última etapa goyesca donde la luz, el movimiento y los largos, rápidos y empastados toques de color se convierten en los elementos protagonistas de la composición. En esta bella acuarela destaca el potente impacto del toro en el caballo del picador, arrastrándole a las tablas mientras los toreros y mozos intentan apartar al animal de su objetivo con sus capotes. El pronunciado escorzo del picador se compagina con la fuerza del toro, estableciendo un admirable juego de tensiones. Las figurillas de los espectadores han sido interpretadas con esbozadas pinceladas, interesándose por la masa más que por los individuos. El efecto de la luz en el coso será también un motivo a tratar resaltando el amarillento color del albero en contraste con los tonos negros del fondo. En sus características es un folklore por la costumbre de las corridas de toros, también representa mucho movimiento y sentimientos.

OPINIÓN DE LOS CUADROS

La condesa de Chinchón:

                                         
Este cuadro me llama la atención porque es una imagen tierna de una mujer juvenil y delicada, ya que en este cuadro la mujer esta embarzada y se le muestra lo frágil, timida y bella que es. Por lo que se ve en este cuadro Goya quiso transmitir paz y dulzura.

El tres de mayo de 1808:

                                     
En este cuadro me impacta porque me llama la atención la manera como trata los franceses a las victimas sin compasión y sin dolor. Además se ve sangre, armas y gente desesperada y es un poco desagradable.

LA FAMILIA DE CARLOS IV

 

FRANCISCO DE GOYA (1746-1828)

1ª ETAPA (1775-1791) Periodo de alegría por la vida
Francisco José de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos (Zaragoza) y falleció el 15 de abril de 1828 en Burdeos (Francia). Fue un pintor español, considerado el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo, cuya obra es difícil de clasificar en un estilo concreto. A caballo entre el barroco y el romanticismo ha dejado innumerables obras de diversas técnicas: frescos, grabados, etc.
La gallina ciega (1789) es uno de los cartones que servían como modelo para las manufacturas de la Real  Fábrica de Tapices de Santa Bárbara de de Francisco de Goya y estaba destinado a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo y fue realizado poco después de que accediera al trono de España el rey Carlos IV.

El quitasol (1777) es un cuadroconservado en el Museo del Prado y que forma parte de la serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara; en concreto, para la serie destinada a la decoración del comedor del infante Carlos, entonces Principe de Asturias.

La pradera de San Isidro (1788) es una de las obras más comentadas y valoradas de Francisco de Goya. Se trata de un boceto pintado para una serie de cartones para tapices destinados a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de el Pardo. Con la muerte de Carlos III el proyecto quedó inacabado, y el cuadro, que iba a medir siete metros y medio de longitud, quedó en este delicioso apunte. El cuadrito pasó a propiedad de los duques de Osuna hasta 1896, año en que fue adquirido por el Museo del Prado.

En él se muestra una vista de Madrid desde la ermita de San Isidro patrón de la ciudad, el día de la romería.

                          

La vendimia o El otoño es un cuadro de Francisco de Goya conservado en el Museo del Prado y que forma parte de la serie de cartones para tapices que representaban las estaciones.

La vendimia o el otoño en que se sirve de las uvas como símbolo de esta estación. 

                                        

                                        RETRATOS:

Los duques de Osuna y sus hijos: fue pintado por Goya en 1788 y se conserva en el Museo del Prado.

El lienzo recoge una escena familiar en la que don Pedro Téllez  Girón, IX duque de Osuna, amigo y mecenas de Goya, aparece junto a su esposa Josefa Alonso Piementel  y sus cuatro hijos a los que el pintor retrata con gran dulzura y cariño, fruto de la estrecha relación que tuvo con la familia.

El duque aparece de pie vestido con uniforme mientras la duquesa posa sentada y vestida a la moda francesa. La primogénita de los duques, Josefa Manuela, de la mano de su padre, ocupa el extremo derecho del cuadro y en el futuro será retratada por Goya cuando ostente el título de marquesa de Abrantes. Igual ocurrirá con su hermana Josefina que aparece de pie junto a su madre y que posará para Goya como marquesa de Santa Cruz. A la izquierda y de pie aparece el heredero del título, Francisco de Borja, montado en un bastón a modo de caballo y sentado, Pedro, el hijo menor de los duques.

                                                   

La condesa del Chinchón es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1795 y 1797 por Goya , entonces en su etapa de madurez pictórica. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde el año 2000.

Magistral y de deliciosa sencillez resulta este retrato de María Teresa de Brobón y Vallabriga. De él se ha escrito que constituye un remanso de paz y un oasis de dulzura, y que parece alojado en un más allá poético y melancólico.

La dama estaba embarazada de su primera hija con Godoy, Carlota. Lleva en el pelo un tocado con espigas de trigo verde, alusión a la fecundidad.

                                                           

Jovellanos: El retrato de Jovellanos en el arenal de San Lorenzo (1780-1782), pintado por Francisco de Goya, oculta bajo su pintura otro, el de una mujer joven cuya identidad se desconoce, también obra del artista aragonés.

                                                        

Carlos III de Borbón (Madrid, 20 de enero de 1716– Ibid., 14 de diciembre de 1788), fue duque de Parma (como Carlos I) entre1731 y 1735, rey de Nápoles (comoCarlos VII) y rey de Sicilia (como Carlos V) de 1734 a 1759 y de España desde 1759 hasta su muerte. Ha recibido como sobrenombres el Político y el Mejor Alcalde de Madrid.

Era el tercer hijo varón de Felipe V, el primero que tuvo con su segunda mujer, Isabel de Farnesio, por lo que fue su hermanastro Fernando VI, quien sucedió a su padre en el trono español. Carlos sirvió a la política familiar como una pieza en la lucha por recuperar la influencia española en Italia

                                                     

2ªETAPA (1792-1828)Periodo de amargura por su situación personal (sordera), y por los graves acontecimientos políticos que vive España.

Los Caprichos es una serie de 80 grabados del pintor español Francisco de Goya, que representa una sátira de la sociedad española de finales del siglo XVIII, sobre todo de la nobleza y del clero.

En la primera mitad presentó los grabados más realistas y satíricos criticando desde la razón el comportamiento de sus congéneres. En la segunda parte abandonó la racionalidad y representó grabados fantásticos donde mediante el absurdo mostró visiones delirantes de seres extraños.

Empleó una técnica mixta de aguafuerte,aguatinta y retoques de punta seca. Deformó exageradamente las fisonomías y los cuerpos de los que representan los vicios y torpezas humanas dando aspectos bestiales.

El aguafuerte Francisco Goya y Lucientes, Pintor es un grabado de la serie Los Caprichos realizado por pintor español Francisco de Goya. Ocupa el primer lugar en la serie de 80 estampas. Se publicó en 1799. 

                                                              

El aguafuerte Hasta la muerte es un grabado de la serie Los Caprichos del pintor español Francisco de Goya. Está numerado con el número 55 en la serie de 80 estampas. Se publicó en 1799.

                                                             

La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado en 1800 por Goya (1746-1828). Goya recibió el encargo de pintarlo cuando la Familia Real pasaba una temporada en el Palacio Real de Aranjuez. Goya realizó los bocetos, retratos individualizados a fin de evitar a sus modelos la incomodidad de posar mucho tiempo, entre mayo y julio de 1800. El 23 de ese mes presentó la minuta por los diez retratos, de los que se conservan cinco en el Museo del Prado.

                                                                 

La reina María Luisa vestida de maja:

                                                                       

La maja desnuda y la maja vestida:

La maja desnuda es una de las más célebres obras de Francisco de Goya y Lucientes. El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800, fecha de la primera referencia documentada de esta obra. Luego formó pareja con La maja vestida, datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy, pues consta que formaron parte de un gabinete de su casa.

En ambas pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer real, contemporánea a Goya, e incluso en su época se le llamó «la Gitana». La primacía temporal deLa maja desnuda indica que en el momento de ser pintado, el cuadro no estaba pensado para formar pareja.

                                                              

La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado entre 1802 y 1805. Se encuentra en el Museo del Prado.desde 1910, después de un largo periodo en la Real Academia de San Fernando.En origen, esta pintura y su «hermana», La maja desnuda, recibían el nombre de «gitanas» y no de «majas». Así aparecen en el inventario de los bienes de Manuel Godoy, que fue su primer propietario. Se supone que se colocaban una sobre otra, la vestida sobre la desnuda, para sorprender al público cortesano.

                                                             

El dos de mayo de 1808 en Madrid, también llamado La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol es, junto con El tres de mayo, uno de los cuadros más célebres de Francisco de Goya y Lucientes, pintor español. El cuadro, pintado en 1814 en óleo sobre tela, se encuentra en el Museo del Prado.

                                                                  

Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808:

El tres de mayo de 1808 en Madrid (también conocido como Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo ) es un cuadro del pintor aragonés Francisco de Goya  terminado en 1814 que se conserva en el Museo del Prado (Madrid, España). La intención de Goya al elaborarlo era plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del Levantamiento del dos de mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Española. Su pareja es El dos de mayo de 1808 en Madrid. La pintura es oscura, muestra imágenes fuertes y crea el arquetipo del horror en la pintura española, que Goya aprovechó en esa época para sus aguafuertes titulados Los desastres de la guerra.

                                                 

Los desastres de la guerra es una serie de 82 grabados del pintor español Francisco de Goya, realizada entre los años 1810 y1815. El horror de la guerra se muestra especialmente crudo y penetrante en esta serie. Las estampas detallan las crueldades cometidas en la Guerra de la Independencia Española.

                             

El entierro de la sardina es un cuadro de pequeño formato que pintó Francisco de Goya entre 1812y 1819 y guarda relación con una serie de cuadros de gabinete de costumbres españolas, si bien estas están muy alejadas de los temas y la estética rococó y neoclásica de los cartones para tapices. Referiría a la muerte del ayuno cuaresmal, simbolizado por el pescado.

                                        

Cuando Fernando VII llega a España, vuelve el absolutismo. Goya, que es un ilustrado, sufre una tremenda decepción y se retira a la Quinta del Sordo. Allí pintará la serie de Las Pinturas negras. Posteriormente su situación en España se hace insostenible, por el acoso de los absolutistas, y tiene que exiliarse a Francia (Burdeos) en 1824 hasta su muerte en 1828.

Su estilo ha cambiado radicalmente: colores negros, oscuros, rostros que son caricaturas atroces, cuerpos deformados, empleo de gruesas manchas de pintura con grumos, aplicada con los dedos. El autor EXPRESA la angustia que le produce la España absolutista de Fernando VII y una grave enfermedad que le paraliza.

Dos viejos comiendo sopa es una de las Pinturas negras  que formaron parte de la decoración de los muros de la casa —llamada la Quinta del sordo— que Francisco de Goya adquirió en 1819. Esta obra ocupaba probablemente (por el formato que tiene) el espacio de la sobrepuerta de la planta baja de la casa.¹

El cuadro, junto con el resto de las Pinturas negras, fue trasladado de revoco a lienzo, a partir de 1873, por Salvador Martínez Cubelles, por encargo del barón Émile d´Erlanger, un banquero francés, que tenía intención de venderlos en la Exposición Universal de París de  1878. Sin embargo, las obras no atrajeron compradores y él mismo las donó, en 1881, al Museo del Prado, donde actualmente se exponen.

                                                             

El aquelarre es uno de los pequeños cuadros que pintó Francisco de Goya entre 1797 y 1798 para el palacio de recreo de los Duques de Osuna, en la finca que ellos tenían en la Alameda de Osuna (hoy Parque del Capricho), entonces a las afueras de Madrid, cerca del pueblo de Barajas. Más tarde, después de 1928, José Lázaro Galdiano lo compró para su colección particular y actualmente forma parte de los fondos pictóricos de la Fundación Lázaro Galdiano.

                                                                

Saturno devorando a sus hijos:

                                                                    

El cuadro Saturno devorando a un hijo es una de las pinturas al óleo sobre revoco que formó parte de la decoración de los muros de la casa que Francisco de Goya adquirió en 1819  llamada la Quinta del Sordo y, por tanto, pertenece a la serie de las Pinturas negras.

La romería de San Isidro es una de las Pinturas negras que formaron parte de la decoración de los muros de la casa —llamada la Qunita del Sordo— que Francisco de Goya adquirió en 1819. Esta obra ocupaba probablemente la pared derecha de la planta baja según se entraba.

                                                 

El perro, es una de las Pinturas negras  que formaron parte de la decoración de los muros de la casa —llamada la  Quinta del Sordo— que Francisco de Goya  adquirió en 1819. La obra ocupaba un lugar a la izquierda de la puerta de la planta alta de la casa.En su estado actual, el cuadro, muy austero, solo presenta la cabeza de un perro escondida o hundida sobre un plano inclinado de ocre oscuro y un espacio vertical en ocre más claro, todo ello exento de cualquier otra figura. La mirada de la cabeza del perro se dirige hacia arriba, y podría representar la soledad.

                                                          

La lechera de Burdeos, es un cuadro de estilo neoclásico realizado por el pintor Francisco de Goya  en 1827, durante su exilio en Burdeos, Francia, un año antes de su muerte.

La lechera de Burdeos, fue pintada en el marco de inicio del neoclasicismo , lo que marcó las últimas obras de Goya, de tendencias liberales. El viaje de Goya a Francia pudo deberse a la restauración absolutista del monarca español Fernando VII en 1823 tras el llamadoTrieno Liberal. La obra está pintada en colores suaves y alegres, y el pintor tomó de modelo a las típicas lecheras decimonónicas francesas.